The Walther Collection

Michael Tsegayes Langzeitprojekt "Future Memories" (2006–heute) dokumentiert das Alltagsleben in Addis Abeba – einer Metropole, die einst aus dem losen Verbund mehrerer Dörfer bestand. Mit seinen atmosphärischen Aufnahmen der Stadtlandschaften sowie eindringlichen Porträts der Bewohner von Addis Abeba, versucht der Fotograf jene Aspekte des urbanen Lebens für die Ewigkeit festzuhalten, "die zukünftig verblassen werden, oder bereits in Vergessenheit geraten sind." Eine vergleichbare Sensibilität für urbane Schauplätze findet sich auch in Délio Jasses "Terreno Ocupado" (2014). Vierundzwanzig Cyanotypien fügen sich zu traumartigen Vignetten, die das tägliche Treiben Luandas in Nuancen aus verblichenem Blau festhalten. Jasse setzt die Farbe als fotografisches Abstraktionsmittel ein; sie erlaubt ihm, sowohl mit der Darstellung des Bildinhalts als auch mit der Visualisierung von Zeit und Raum zu experimentieren. Ähnlich den Schichten eines Palimpsests überlagern sich Perspektiven, Emotionen und Erinnerungen in seinen Luanda-Bildern – eine Eigenschaft, welche auch die Serien von Edson Chagas auszeichnet. Während die Personen, die Chagas in "Oikonomos" (2011) und "Tipo Passe" (2012–14) porträtiert, hinter Plastiktüten und afrikanischen Masken zurücktreten, avancieren Alltagsobjekte, wie zerbrochene Stuhlrahmen, ausrangierte Satellitenschüsseln und leere Flaschen in der Serie "Found Not Taken" (2008–heute) nicht zuletzt aufgrund ihrer farbintensiven Hintergründe zu abstrakten Skulpturen.

François-Xavier Gbrés Arbeit "Tracks" (2009–16) befasst sich mit dem Symbolgehalt bedeutsamer und zurückgelassener Gegenstände. Seine Aufnahmen von verlassenen, während der Kolonialzeit oder im Moment der politischen Unabhängigkeit errichteten Gebäude untersuchen die Auswirkungen sozio-politischer Kräfte auf die gebaute Umwelt. "The Island" (2014–16) von Simon Gush reinterpretiert Geschichte über architektonische Objekte, rückt dabei jedoch nicht die Bauwerke, sondern die ihnen innewohnenden Strukturen und zugrundeliegenden Arbeitsbedingungen in den Mittelpunkt der Betrachtung. Gushs nuancierte Schwarz-Weiß-Aufnahmen dokumentieren industrielle Landschaften in Lesotho und fügen sich zu einer vielschichtigen Studie über jene Orte und gesellschaftlichen Zustände, die während der Apartheid durch die protestantische Arbeitsethik geschaffen wurden. Dabei versucht der Fotograf Wertvorstellungen zu dekonstruieren, die noch immer eng mit dem Kolonialismus und dem Regime der Apartheid verbunden sind.

Während ein Großteil der im Weißen Kubus versammelten Künstler*innen die Kamera dazu nutzt, um über politische, historische und identitätsstiftende Strukturen zu reflektieren, dient sie Mame-Diarra Niang als Werkzeug zur philosophischen Recherche. In "Sahel Gris" (2013), "At The Wall" (2014) und "Metropolis" (2015) arrangiert sie die Aufnahmen eines bestimmten Ortes zu abstrahierten, metaphorischen Landschaften. Dabei ist der Begriff "der Plastizität des Territoriums" für die Künstlerin von grundlegender Bedeutung. Hierunter versteht Niang die Fähigkeit sich unterschiedliche geografische Räume persönlich anzueignen und die eigene Handlungsmacht zu behaupten; eine Fähigkeit, die sie auch dem Betrachter zuspricht und ihn somit dazu ermutigt sie auf der Durchquerung von Städten, Kulturen und Landschaften zu begleiten.

Die Aufnahmen von Zina Saro-Wiwa verweisen hingegen auf zutiefst persönliche Beziehungen. Mit einer Reihe eindrucksvoller Selbstporträts zeigt "The Invisible Man" (2015) die Künstlerin beim Tragen einer von ihr entworfenen und angefertigten Ogoni-Maske. In Anlehnung an Ralph Ellisons gleichnamigen Roman widmet sich Saro-Wiwas Arbeit jenen Männern, die aufgrund von Tod oder Entfremdung nicht mehr am Leben der Künstlerin teilhaben.

Em'kal Eyongakpa's "Ketoya Speaks" (2016) präsentiert sich dem Betrachter auf vergleichbare Weise, weist dabei aber jeglichen Anspruch auf definitive Aussagen und allgemeingültige Wahrheiten zurück. Stattdessen entwirft der Künstler ein Mosaik von Erzählungen, die in Verbindung mit der Geschichte Ketoyas – ein entlegenes Dorf im Südwesten Kameruns – zirkulieren. Eyongakpas Langzeitbelichtungen kombinieren detailreiche Aufnahmen der Landstriche rund um Ketoya mit abstrakten Darstellungen zu atmosphärischen Szenen, die ihren direkten Bezug zu Raum und Zeit verlieren. Diese für den Künstler typische Verfahrensweise findet sich auch in seiner Videoarbeit À Suivre (2012).

Im oberen Stockwerk des Weißen Kubus befindet sich "The Stranger's Notebook" (2016) von Dawit L. Petros, in welcher der Künstler der Geschichte und Gegenwart von Migrationsströmen und -strukturen nachvollzieht. Hierzu begab sich Petros im Jahr 2014 auf eine dreizehnmonatige Expedition, die ihn durch Afrika und Europa führte. Dabei verfolgte er das künstlerische Anliegen gegenwärtige Erfahrungen mit historischen und noch immer dominanten Narrativen der Mobilität zu vergleichen.

Andrew Esiebos "Highlife" (2013–16) – ein vielschichtiges, lebensfrohes und farbenprächtiges Tableau der Partyszene von Lagos – entstand im Umfeld einer stetig wachsenden Gemeinschaft von Partygängern, die der Fotograf über drei Jahre in Clubs und auf Feiern begleitete. Die Clubs der Stadt fungieren einerseits als Projektionsflächen für die Erfolge, Hoffnungen und Sehnsüchte der Bewohner von Lagos, andererseits dienen sie als Zufluchtsorte, um den Problemen und Enttäuschungen des Alltags zu entkommen. "Mutation" (2015–heute), ein weiteres Langzeitprojekt Esiebos, konfrontiert den Betrachter mit der chaotischen Stadtlandschaft von Lagos und ihren sich komplex überlagernden architektonischen Schichten und Strukturen. Die Serie veranschaulicht nicht nur die rasante Transformation der Stadt, sondern auch die negativen Auswirkungen dieses unaufhaltsamen Modernisierungsprozesses: Verdrängung und Gentrifizierung, die letztlich zum Schwinden traditioneller Lebensräume führen.

Auf ebenso engagierte Weise setzt sich Zina Saro-Wiwa mit kulturellen und sozialen Aspekten des Lebens im Niger Delta auseinander. Aufgrund ihrer großen Ölvorkommen, wird diese Region Nigerias in den Medien häufig als Ort der Ausbeutung und Umweltverschmutzung dargestellt. Diesen Bildern setzt Saro-Wiwa Darstellungen von unaufgeregter Alltäglichkeit entgegen. Ihre Videoinstallation "Table Manners" (2014–16) zeigt acht Charaktere aus dem Ogoniland beim Verzehr lokaltypischer Gerichte. Rülpser, laute Schmatzgeräusche und Seufzer der Zufriedenheit versehen das Video mit einer Geräuschkulisse, die sowohl Gefühle der Nostalgie und Faszination, aber auch Aversionen hervorrufen kann. Die Intimität der Aufnahmen erlaubt dem Betrachter in die Gebräuche und Lebenswelt des Niger Deltas einzutauchen.

Für seine Serie "Homeland" (2009–11) fotografierte der früh verstorbene Thabiso Sekgala Jugendliche in den ehemaligen Homelands Südafrikas. Über das gekonnte Spiel mit Schärfe und Unschärfe und die zarte Farbgebung seiner Bilder, gelingt es dem Künstler seine Sujets auf distanzierte und zugleich intime Weise festzuhalten. Dieses fotografische Feingefühl findet sich auch in den Porträt- und Landschaftsaufnahmen der Arbeit "Second Transition" (2012), die ebenfalls in Südafrika entstanden ist. Entgegen visueller Klischees, die das Land vornehmlich im Kontext der Apartheid verorten, berichten Sekgalas Fotografien von Momenten der Würde und des Respekts, von Heimat und Identität. Mimi Cherono Ng'oks Installation "Do You Miss Me? Sometimes, Not Always" (2017), die sie eigens für das Grüne Haus konzipierte, setzt sich auf emotionale und zugleich ästhetische Weise mit dem Tod ihres Freundes Thabiso Sekgala auseinander. Cheronos Fotografien zeigen Orte, Menschen und Gegenstände, die sie mit dem Verlust des Freundes in Beziehung setzt. Dabei dokumentiert Cherono nicht nur ihre unmittelbare Umwelt, sondern verwendet die Kamera, um ihre zuweilen widersprüchlichen Gefühle zu ergründen und festzuhalten.

Auch "Ke Lefa Laka" (2013) von Lebohang Kganye befasst sich mit dem Verlust einer geliebten Person. Nach dem Tod ihrer Mutter sichtete die Künstlerin alte Familienalben, um einzelne Fotografien nachzustellen und diese anschließend mit Hilfe von Doppelbelichtungen über die Originalbilder ihrer Mutter zu legen. Die Künstlerin nutzt das Medium der Fotografie, um Raum und Zeit zu überbrücken und die Beziehung zu ihrer Mutter zu reflektieren. Dem Betrachter bieten sich hiermit seltene Einblicke in die private Alltagswelt schwarzer Frauen im Südafrika der Apartheid und Post-Apartheid.

Ein Gefühl der emotionalen Verbundenheit kennzeichnet Sabelo Mlangenis Langzeitprojekt "Big City" (2002–heute), das den Lebensrhythmus und Alltag in Johannesburg festhält. Die Serie dokumentiert nicht nur Mlangenis ambivalentes Verhältnis zu seiner Wahlheimat, sondern ist ebenso ein Schlüsselwerk seines fotografischen Schaffens, das sich durch Porträts und Milieustudien auszeichnet. Detailreiche Schwarzweißaufnahmen, die Emotionen, Erinnerungen und Orte miteinander verbinden, gewähren Einblicke in die verborgenen Mikrokosmen und Subkulturen von Johannesburg; einer Stadt, die für den Fotografen Vertrautheit und Fremde zugleich repräsentiert.

Das Souterrain des Grünen Hauses zeigt eine Reihe von Videoarbeiten. Mame-Diarra Niangs Eating the Sky (2017), welche die Künstlerin speziell für das Grüne Haus entwickelte, erforscht über die fragmentierte Darstellung ihres Körpers das metaphysische Verhältnis von Raum und Zeit. Simon Gushs filmische "Work Essays" befassen sich hingegen mit dem Phänomen der Arbeit. In Calvin and Holiday (2014) begleiten wir den Fotografen auf seiner Reise nach Genf, um die Ursprünge des Calvinismus und der protestantischen "Arbeitsethik" zu erforschen, während sich Lazy Nigel (2015) mit der pauschalen Glorifizierung von Fleiß und der steten Verurteilung von Faulheit auseinandersetzt. Gush konfrontiert den Betrachter mit den Ergebnissen intensiver Recherchen und hinterfragt bestehende Wertvorstellungen, die noch immer eng mit dem Kolonialismus und der Apartheid in Südafrika verknüpft sind.